Измайлов Константин Игоревич : другие произведения.

Из детства -2

Самиздат: [Регистрация] [Найти] [Рейтинги] [Обсуждения] [Новинки] [Обзоры] [Помощь|Техвопросы]
Ссылки:
 Ваша оценка:
  • Аннотация:
    Островский, Ренуар, Джамбул, Дубовской

ИЗМАЙЛОВ КОНСТАНТИН ИГОРЕВИЧ

СОДЕРЖАНИЕ:

   1. Островский Аркадий Ильич 1
   2. Пьер-Огюст Ренуар 2
   3. Джамбул Джабаев 5
   4. Дубовской Николай Никанорович 10

ОСТРОВСКИЙ

АРКАДИЙ ИЛЬИЧ

(25.02.1914 - 18.09.1967)

   25 ФЕВРАЛЯ 1914 года родился композитор Аркадий Ильич Островский, никак не отмеченный советскими властями, только лишь в конце жизни скромным званием Заслуженного деятеля искусств РСФСР (1965). А вечную память он о себе оставил. С самого раннего детства граждане постсоветского пространства знают о нём, влюбляются в его музыку, поют его песни и идут с ними по жизни.
   Впервые я узнал что есть такой композитор, когда был школьником младших классов. Помню, был главный советский праздник 7 ноября - День Великой Октябрьской Социалистической революции. По телевизору транслировали праздничный концерт. Выступал Дважды Краснознамённый ансамбль Песни и Пляски Советской армии. Тогда я услышал фамилию композитора и его песню "Красная гвоздика", которую потом долго торжественно распевал. Фамилию запомнил. Стал внимательнее относиться к его творчеству. Популярность А.И.Островского была большой. Его песни исполнялись по телевизору, радио, на концертах во Дворце культуры, народных гуляньях и торжествах. Особенно популярными были "А у нас во дворе", "Как провожают пароходы", "Песенка молодых соседей", "Если вам ночью не спится", "Вокализ", "Атомный век" и др. Что-то притягивало меня к его песням. Может, простота мелодии, душевность, лёгкость, какая-то оригинальность. Эта оригинальность в его музыке долгое время была необъяснима, она была чем-то новым, передовым. Потом позже, когда учился в университете и познакомился с джазом, понял что отличало песни А.И.Островского от других советских песен: сочетание в мелодиях и патриотичности, и свободного полёта, присущего джазу. Казалось бы, невозможно сочетать советский патриотизм и джаз! А у Аркадия Ильича это талантливо сочеталось (кстати, Аркадий Ильич начинал свой творческий путь как музыкант в джазовом оркестре Л.О.Утёсова). Соглашусь с теми кто утверждает, что А.И.Островский продолжатель традиций великого Исаака Дунаевского.
   За недолгую жизнь композитор создал много прекрасных песен и для самых маленьких, делающих первые шаги по планете ("До, ре, ми, фа, соль...", "Девчонки и мальчишки", "Спят усталые игрушки", под которую засыпали все советские дети и засыпают уже современные российские), и для детей постарше, к примеру, замечательная песня "Пионеры идут". Много песен создано патриотического характера и совсем тихих, милых сердцу (песни из Дворового цикла, к примеру).
   У А.И.Островского есть две великих песни, за которые композитору нужно поставить памятник. И он обязательно будет поставлен. Это два гимна, а именно: гимн Песне и гимн Миру. Первая песня называется "Песня остаётся с человеком", которая уже на протяжении нескольких десятилетий является визитной карточкой передачи "Песня года". Эта песня одна из моих самых любимых. Бесспорно, она будет жить вечно, пока существуют песни, и люди их поют! Вторая песня называется "Пусть всегда будет солнце!", завоевавшая в 1962 году первую премию на Международном фестивале песни в Сопоте. Эту песню - гимн Миру - знают во всём мире, в разных его уголках, её поют на многих языках, нередко меняя текст, но смысл песни всегда не изменен, волнующий каждого человека доброй воли до глубины души:
  
   Пусть всегда будет солнце,
   Пусть всегда будет небо,
   Пусть всегда будет мама,
   Пусть всегда буду я!
  
   18 сентября 1967 года композитор умер в Сочи, куда был приглашён на фестиваль. Ему было всего 53 года.
   В 2008 году интернет буквально "взорвался": песня А.И.Островского "Вокализ" (второе название "Я очень рад, ведь я, наконец, возвращаюсь домой") в исполнении Эдуарда Хиля, вдруг стала всемирным сетевым хитом и несколько недель занимала первую строчку хит-парадов. Пользователи во всём мире были потрясены, что в Советском Союзе уже в далёких шестидесятых годах 20-го века создавались такие "продвинутые" композиции, современные (даже для 21 века!) в исполнении, аранжировке и, конечно, музыке. Тогда и прозвали Эдуарда Хиля "Мистером Тро-ло-ло!". Вот уж воистину, талантливый человек всегда интересен и актуален!
  

Санкт-Петербург, 25.02.2011

ПЬЕР-ОГЮСТ РЕНУАР

(25.02.1841 - 03.12.1919)

   Когда мне было года четыре, родители любили (ради забавы, наверное) меня спрашивать про мою воспитательницу в детском садике: "Ну чем же тебе нравится воспитательница, расскажи?!". И я начинал серьёзно, старательно рассказывать примерно так: "У неё платьишко всегда с разноцветными горошками, бусы блестящие и губки чем-то помазаны...". Услышав эти описания, соседка один раз сказала: "Прямо ренуаровская красавица у тебя воспитательница в садике!". Я запомнил эти слова. Потом, учась в школе, узнал, что был такой художник по фамилии Ренуар. А когда увидел репродукции его картин, понял, почему соседка так сказала.
   170 лет назад 25 ФЕВРАЛЯ 1841 года родился французский живописец, один из основоположников импрессионизма Пьер-Огюст Ренуар. Я не являюсь знатоком и поклонником его творчества. Но как самый главный и при этом абсолютно независимый судья искусства - зритель - хочу высказать свои соображения о творчестве Ренуара. Его картины, естественно, не могли оставить меня равнодушным, тем более что уже с четырёхлетнего возраста мне нравились красивые женщины, у которых "...губки чем-то помазаны..."! Судить о творчестве Ренуара я могу только по картинам, представленным в Государственном музее Эрмитаж, и репродукциям. Далее я опишу свои субъективные представления о картинах и приведу некоторые сведения из его жизни, которые мне было интересно узнать.
   Ренуар - сын бедного портного, родившийся шестым в семье - художник, воспевший красоту человеческой жизни на земле, человеческого счастья: жить и радоваться жизни не смотря ни на что. Певец вечного праздника под названием Жизнь!
   Первый его талант - голос. Ребёнком он пел в церковном хоре и сам великий Шарль Гуно уговаривал родителей отдать сына учиться искусству пения. Это уже говорит о многом.
   Мальчиком он работал на фарфоровом производстве, а когда ручной труд заменили машины, стал расписывать посуду. Это явилось началом его большого и славного творческого пути. Картины Ренуара, как ранние, так и последние, одинаковы и по идее, и по глубине, неизменно поднимают настроение. Главное, что меня сейчас интересует, как это понятно без объяснений, женщины - "ренуаровские красавицы". Что же это такое? Это, как мне кажется, главный и решающий атрибут праздника. Без них, наверное, для Ренуара не было бы праздника. Значит к ним у художника, насколько я правильно понимаю, особенное, бережное и главное внимание. Дамы Ренуара источники вдохновения, темы и энергии праздника. Они обязательно красивы, нарядны, лучезарны, соблазнительны, по ренуаровски эротичны. Они смеются, танцуют, пьют виноградное вино и едят сочные фрукты под звуки весёлой музыки, ухаживают за мужчинами и буквально светятся! А что ещё делать на празднике, тем более, если ты главный его атрибут? Они сладкие и мягкие, нежные и ароматные. Может быть, Ренуар хотел показать в своих картинах, что в любых обстоятельствах и в любом настроении женщина - это и есть праздник ("Балерина" (1874), "Парижанка" (1874), "На качелях" (1876), "Портрет актрисы Жанны Самари" (1877), "Портрет девушки (задумчивость)" (1877), "Танец в Буживале" (1883), "Девушки у рояля" (1892) и др.)? Значит, он такой, как сама женщина?
   Наверное, самым любимым занятием для него было писать обнажённые женские тела. Мне кажется, он готов был писать их даже без сна и еды, с такой любовью они написаны! В череде картин, наверное, он полностью выкладывался, и на названия их уже не оставалось ни сил, ни фантазии: "Обнажённая" (1886), "Обнажённая девушка" (1887), "Большие купальщицы" (1887), "После купания" (1888), "Купальщицы" (1918) и др. Как где-то было отмечено, Ренуар один из первых художников, который стал писать эротику. К примеру, ещё одну картину с "оригинальным" названием "Купальщицы" (1884-1887) запрещали из-за откровенных женских поз (как считали блюстители нравственности). А "Нагая женщина, сидящая на кушетке" (1876) или "Портрет мадам Анрио" (1876) - изысканная эротика! Ради прекрасной груди мадам Анрио и был написан портрет. Получается портрет не мадам Анрио, а портрет её груди, что ли? А почему нет? Очень даже может быть!
   Художник старательно подчёркивает яркость и особенность "женских", видимо милых ему цветов: алые, пылающие губы, пышные золотые или рыжие волосы, большие и блестящие глаза, изящные золотые украшения на руках, разноцветные модные платья, шляпки, бусы, цветы на шляпках или в волосах. Все его женщины смотрят не просто весело, а по особенному, чуть шутливо, чуть насмешливо, вроде легко и беззаботно, но и что-то замышляя при этом (а может, просто устало от бесконечных праздников и веселий?). В общем, понять сложно, я назову это их "природным" или "ренуаровским" взглядом (может быть, этот взгляд и делает их женщинами?). А кругом буйство музыки, цветов, фруктов, вина, света ресторанных люстр и уличных фонарей, смеха, танцев, и в этом красочном театре праздника Жизни женщина, как никто гармонична и естественна ("Читающие девушки" (1876), "Бал в Мулен де ла Галетт" (1876), "В цирке Фернандо" (1879), "Завтрак гребцов" (1881), "Зонтики" (1881-1886) и др.).
   Нет в его творчестве только будней. А без них нельзя точно оценить качество и глубину праздника. "Праздник, который всегда с тобой" - сказал о Париже Эрнест Хемингуэй и в подтверждение написал целое произведение. В немалой степени этому способствовал Ренуар. Пусть Париж - вечный праздник, но мне всё равно не хватает в его картинах закулисной жизни "артистов" праздника, когда они остаются наедине с самими собой, со своими правдой и "болячками". Невозможно в должной мере оценить красоту безоблачного неба, не сравнив его с чёрными и тяжёлыми небесами. Или для Ренуара и "чёрные, тяжёлые небеса" тоже праздник? Почему тогда нет в его творчестве и этой стороны праздника - опасности и страха перед разгулом стихии, трагизма, которого так много в жизни, человеческой беспомощности, когда человек не только блистающий, положительный артист на этом празднике Жизни, но и отрицательный его герой, жалкий, слабый, страшный, омерзительный?..
   Насколько я понял, путь художника был непростым. Достаточно сказать, что в 70-х годах XIX столетия слово "импрессионизм" было оскорбительным, даже ругательным. Этим словом называли неудачников, смешных и пустых художников. Только в 40 лет Ренуар получил признание и удостоился чести выставиться в Лувре ("Завтрак гребцов"). А до этого момента упорный труд, поиски своего неповторимого облика, бедная жизнь и одиночество (а сколько счастья в картинах этой поры!). Была на первом творческом отрезке женщина, его возлюбленная и первая модель. Но она покинула его. Зато всегда были рядом друзья и коллеги - импрессионисты - единомышленники. А главное, было любимое дело, ради которого стоило жить, не смотря ни на какие лишения и удары судьбы.
   Окончательное признание Ренуар получил, когда ему было уже за сорок, после того, как в Национальной галерее в Лондоне выставили его картину "Зонтики", которую искушённая лондонская публика восторженно приняла. Пришёл успех, а с ним и материальная независимость.
   Только в 49 лет он обзавёлся семьёй. А потом почти 30 лет была счастливая семейная и славная творческая жизнь. И семья, и творчество, и слава были перемешаны, а всё это вместе называлось Счастьем! Поэтому и называть его стали "живописцем счастья". Первый сын Пьер появился, когда художнику было уже 44 года. Второй сын Жан - в 53 года. Третий сын Клод - в 60 лет. Последний сын стал любимой моделью отца.
   К сожалению, не бывает идеального счастья. Счастье художника омрачала его болезнь. С 1912 года он прикован к инвалидному креслу после приступа ревматизма. Но, не смотря на это, писать картины не переставал, хотя, практически был обездвижен. Сиделка вставляла ему кисть между пальцев, а потом меняла её. И так семь лет. За этот период художник написал огромное количество картин, ничуть не изменяя себе: женские портреты, купающихся обнажённых женщин, цветы, пейзажи и натюрморты.
   В августе 1919 года Ренуар в последний раз побывал в Лувре, последний раз увидел свои "Зонтики". А 3 декабря 1919 года он скончался в возрасте 78 лет. Умер "живописец счастья", первый признанный из импрессионистов, график, скульптор, отец троих сыновей Пьер-Огюст Ренуар.
  

Санкт-Петербург, 25.02.2011- 18.03.2011

  
  

ДЖАМБУЛ ДЖАБАЕВ

(28.02.1846 - 22.06.1945)

  
   Два дня не дожил почти столетний казахский народный поэт-акын до парада Победы в Москве 24 июня 1945 года. Он умер 22 июня в день, когда четыре года назад началась Великая Отечественная война. В день, который вошёл в историю нашей Родины, как день памяти погибших воинов и мирных жителей в этой войне.
   Стихи Джамбула в то военное время шли наравне со снарядами и продуктами для воинов и жителей блокадного Ленинграда. Всеволод Вишневский, находившийся в блокадном городе, писал: "В самые тяжёлые дни Ленинграда - осенью 1941 г. - достойнейший Джамбул обратился к нам, защитникам города, с вдохновенным призывом. Без слёз и чувства радостного волнения не могли мы читать это послание. Мы ощутили, что это письмо так же ценно, как подход сильного резерва..." С детства помню кадры кинохроники блокадного города и голос за кадром Ольги Берггольц, читающей его знаменитые стихи, посвящённые героическим защитникам и жителям города. С детства эти стихи спокойно слушать и читать не могу.
   Мать по имени Улдан родила его у подножия горы Джамбул, что в верховьях реки Чу. Отец Жабай, бедный кочевник, дал сыну имя горы. Джамбул рос в нищете. Образования не получил, зато научился играть на домбре и в 14 лет ушёл из дома. Джамбул стал поэтом-акыном - обличителем человеческих пороков и угнетателей простых людей. Главным занятием акынов было петь в стиле толгау (речитатив, "что вижу, о том пою"). Акыны должны были участвовать в состязаниях - айтысах - кто кого перепоёт: по силе и смелости стиха, звонкости голоса и продолжительности исполнения, что требовало от участников терпения и физической выносливости. Чтобы побеждать в айтысах видных акынов, Джамбул учился искусству импровизации у непревзойдённого акына Суюнбая Аронулы. После этого Джамбул неоднократно побеждал в айтысах. Так он приобрёл среди простого народа широкую известность и любовь. Очень часто далеко видна была в степи тёмная фигура акына Джамбула, одиноко сидящего, поджав под себя ноги, и громко распевающего свои песни. Люди шли к нему, садились рядом и слушали. Или ходил он по аулам, стойбищам пастухов, среди повозок и юрт кочевников, помогал словом и, естественно, пел. К старости творческий потенциал у него угас. Только когда произошла Великая Октябрьская социалистическая революция, семидесятилетний старик снова взял в руки домбру и стал воспевать советскую власть, В.И.Ленина, а позднее И.В.Сталина. Как он сам говорил, после революции начались его перерождение и творческий подъём.
   Когда началась война, 95-летний старец жил в посёлке, расположенном в семидесяти километрах от Алма-Аты, который сейчас превращён в Музей Джамбула. Он сочинял патриотические стихи, которые тут же записывались, переводились тремя его секретарями-переводчиками и сразу отсылались в Москву. С Москвы - на фронт. Кроме этого занятия, сгорбленный, маленький Джамбул слушал радио, от которого отходил только в перерывах между сводками новостей с фронта. В перерывах он помимо сочинительства ещё выращивал сад возле своего дома (в этом саду его и похоронят). Быть может, Джамбул поставил перед собой цель обязательно дожить до победы. Дожил и спокойно умер.
   Я вырос на казахской земле. Я вскормлен "златогривым Казахстаном": щедрым солнцем, ослепительно ярким зимой и безжалостно жгучим летом, безграничной и гладкой степью, которая весной цветёт всеми возможными цветами и оттенками, а летом становится выжженной - светло рыжей - от палящего солнца, на которой мирно пасутся табуны коней с золотыми гривами и взмыленными красными спинами. Я воспитан на удалом казахском эпосе и поучительных степных сказках, ритмичных народных казахских песнях и отзывчивой чистой казахской душе. Чистая душа, светлая и наивная, как у ребёнка - это вначале удивляло и смешило, а потом вызывало глубокое уважение к казахам. В 1997 году, живя в Сибири, как-то бессонной морозной ночью, кутаясь в одеяло, я написал стихи, посвящённые Казахстану. Мне хотелось туда, поближе к солнцу. В стихотворении есть такие строки:
  
   Златогривый Казахстан:
   Сыплет жаром жеребячьим
   По степям и спинам красным,
   Юртам, белым городам!
  
   Есть спасенье - чайхана:
   Чай, кумыс, домбра, казахи,
   Смех и потные рубахи,
   И шипенье казана!
  
   Не имеет всё конца:
   Плов из жирного барана,
   Кони, песня аксакала,
   И казахская душа!
  
   Все казахи музыкальны, это у них в крови. Очень многие поют и играют на национальных инструментах. Поэтому далеко не каждому удаётся получить широкое признание и всенародную любовь. Только настоящим патриотам своей земли и своего народа, самым талантливым поэтам и музыкантам удаётся этого добиться. В их числе прежде всего великие казахские сыны, просветители казахского народа - Абай, Курмангазы и Джамбул.
   Джамбул бесконечно искренен в своём творчестве, как может быть искренен ребёнок в своих чувствах. Стихи, сказки и песни его часто звучали в школьных аудиториях, на концертах, народных гуляньях, с экранов телевизоров и радиоприёмников. Помню, учась в младших классах, папа принёс красочно иллюстрированную книгу "Казахстан". В ней я впервые увидел фотографию Джамбула - улыбающегося старца с седой бородой, в меховой большой шапке и орденом Ленина на лацкане пиджака. Подумать только, с 14 лет и до самой старости родным домом этому человеку была великая степь! Чего только не видел и не испытал он на своём долгом, пыльном и заснеженном пути! Нет сомнения, что он дошёл до недоступного обычным людям далёкого горизонта, где сходятся в туманной дымке степь и небо...
   Казахстан - это моя вторая родина. Годовалым ребёнком меня привезли родители на эту землю. Здесь я нашёл своих первых друзей. Здесь учили меня мои первые учителя. Здесь начало моего жизненного пути. Потому, мне всё дорого, что связано с этой землёй, тем более, когда находишься вдали от неё. С 1955 года в городе на Неве есть переулок Джамбула, а к 300-летию Санкт-Петербурга в мае 2003 года на переулке в присутствии Президента республики Казахстан Н.А.Назарбаева был установлен памятник Джамбулу (авторы - архитектор Феликс Романовский и скульпторы Валентин Свешников, Бауыржан Абишев). Это маленький кусочек Казахстана. Когда в летний солнечный день прогуливаешься по переулку или сидишь возле памятника, возникает ощущение, что находишься на казахской земле. Сразу слышны казахские мотивы, звонкий голос аксакала, видишь перед собою чистое небо, ослепительное солнце, жёлтую степь и несущихся по ней красных коней, ощущаешь спокойствие на душе, которое возникает, когда вступаешь на землю этого доброго, хлебного края! И обязательно вспоминаешь волнующие строки, написанные сердцем казахского старца, обращённые к воинам и голодным жителям блокадного Ленинграда:
  
   В ночь у подножья Джамбула-горы,
   Сжавшись комочком у снежной норы,
   Мать моя, рабскую жизнь кляня,
   В стонах и муках родила меня.
   Молча собрался голодный аул,
   Дали казахи мне имя Джамбул.
   Ленинградцы, дети мои!
   Ленинградцы, гордость моя!
  
   Мне в струе степного ручья
   Виден отблеск невской струи,
   Если вдоль снеговых хребтов
   Взором старческим я скользну, -
   Вижу своды ваших мостов,
   Зорь балтийских голубизну,
   Фонарей вечерних рои,
   Золочёных крыш острия...
   Ленинградцы, дети мои!
   Ленинградцы, гордость моя!
  
   Что же слышит Джамбул теперь?
   К вам в стальную ломится дверь,
   Словно вечность проголодав, -
   Обезумивший от потерь
   Многоглавый жадный удав...
   Из глубин казахской земли
   Реки нефти к вам потекли,
   Чёрный уголь, красная медь
   И свинец, что в срок и впопад
   Песню смерти готов пропеть
   Бандам, рвущимся в Ленинград.
   Хлеб в тяжёлом, как дробь, зерне
   Со свинцом идёт наравне
   Это всё должно вам помочь
   Душегубов отбросить прочь!
   Ленинградцы, дети мои!
   Ленинградцы, гордость моя!..
  
   Сдохнет он у ваших застав!
   Без зубов и без чешуи
   Будет в корчах шипеть змея!
   Будут снова петь соловьи,
   Будет вольной наша семья,
   Ленинградцы, дети мои!
   Ленинградцы, гордость моя!
  
   Впервые это стихотворение было опубликовано 6 сентября 1941 года в газете "Ленинградская правда" в переводе М.Тарловского. Испытываю глубокое уважение к Джамбулу прежде всего за создание этого произведения. И горжусь тем, что при воспоминаниях о страшной блокаде, неотъемлемым атрибутом является это стихотворение поэта, наряду с седьмой "Блокадной" симфонией Дмитрия Шостаковича. К слову сказать, первое исполнение симфонии состоялось в Куйбышеве 5 марта 1942 года, через полгода после публикации стихотворения Джамбула. А исполнение в блокадном Ленинграде было седьмым (интересное совпадение) только 9 августа того же года.
   Всё-таки, прежде всего это красиво: поставить памятник казахскому старцу и поэту за его чувства, выразившиеся с такой силой в стихотворении "Ленинградцы, дети мои!", сравнимой с "...подходом сильного резерва..." в помощь героическим защитникам города. 95-летний поэт, находясь за тысячи километров от блокадного города, смог так эффективно помочь!
   В первом выпуске карты-путеводителя за 2010 год "Многонациональный Петербург", созданной в рамках проекта Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга "Толерантность", Джамбул Джабаев занял своё достойное место. Тот факт, что Джамбул вошёл в первый выпуск, говорит об уважении ленинградцев-петербуржцев к казахскому народному поэту-акыну, память о котором сохранится навсегда, потому что стихи его будут жить, пока жива память о страшных 900 днях и ночах ленинградской блокады, а эта память будет вечной.
   28 февраля 2011 года исполнилось 165 лет со дня рождения Джамбула.
   В дополнение ко всему сказанному, приведу ещё основные сведения об увековечении памяти Джамбула. Во-первых, в 1947 году создан Литературно-мемориальный музей Джамбула под Алма-Атой, где есть сад Джамбула, который он вырастил своими руками, а на его территории расположен мавзолей Джамбула. Во-вторых, именем Джамбула в 1938 году названа Казахская государственная филармония (Казахский государственный академический театр оперы и балета носит имя Абая, а Казахская государственная консерватория названа именем Курмангазы). В-третьих, есть область, названная его именем, памятники и улицы Джамбула в крупных казахских городах, а также в Нижнем Новгороде, Киеве, Новосибирске, Иркутске, Хабаровске, Липецке, Ужгороде.
   Мне не понятно только одно: с 1938 года по 1997 год на юге Казахстана был город Джамбул (с 1993 года - Жамбыл - по-казахски), но 8 января 1997 года Указом Президента республики Казахстан этот город был переименован, и теперь он называется Тараз - почитать и бережно хранить память о народном поэте-акыне и при этом переименовывать город, носящий его имя, что это - дань исторической справедливости? Сомневаюсь. Этот древний город, насчитывающий двух тысячелетнюю историю, никогда так не назывался. Может быть, источник этого названия в том, что город расположен на реке с названием Талас? Именно так город (древнее городище на месте современного города) стали называть арабы. Если происхождение этого слова тюркское, то можно перевести его как "лента, верёвка, протягиваемая через площадку при игре с мячом в конных состязаниях". Слова Талас в казахском языке нет, но есть созвучное - Тараз, что по-казахски означает "весы". Но зачем нужно было переименовывать? Якобы, по "многочисленным просьбам жителей Жамбыльской области", то есть, все жители очень хотели, чтобы их город имел такое же название или как у реки - по-тюркски "лента, верёвка...", или казахское "весы", а имя народного поэта-акына им не нравилось! Вот уж действительно "восток дело тонкое!", как заметил один из героев кинофильма "Белое солнце пустыни".
  

Санкт-Петербург, 27.03.2011

ДУБОВСКОЙ

НИКОЛАЙ НИКАНОРОВИЧ

(17.12.1859 - 28.02.1918)

   28 ФЕВРАЛЯ 1918 года на 58 году жизни скоропостижно умер выдающийся русский живописец-пейзажист, академик живописи и профессор Императорской Академии художеств Николай Никанорович Дубовской.
   Первым художником, которого я узнал в своей жизни, был Николай Никанорович. Первой картиной, которую я увидел в своей жизни, была картина Николая Никаноровича "Зимний вечер" (1891). Почему? Потому что эта картина была и есть в родительском доме. Она появилась у родителей в начале 60-х годов XX века, когда они только поженились. Картина всегда висела и висит в центре гостиной над фортепиано, что делает вид гостиной художественным и привлекательным. Родители рассказывают о картине так: "Купили в одном из магазинов Челябинска. Понравился пейзаж, который напоминает родную уральскую природу, лесную заимку, известную нам ещё с юности...". По их рассказам следует, что на похожей лесной заимке, расположенной недалеко от родного посёлка мамы, во времена их юности жил старик отшельник по фамилии Мурзин, добровольно покинувший людей. Заимка так и называлась - "Мурзинская". Лесные путники, кто пешком, а кто на телегах летом или санях зимой (прямо, как на картине) непременно у него останавливались на отдых или ночлег. И всех он принимал, обогревал и кормил, обеспечивал всем необходимым. Родители говорят, что художник как будто списал картину именно с Мурзинской заимки: такой же дом, вымазанный известью, с соломенной крышей, такая же белая снежная поляна перед домом, на которой вырисовывался санный путь, такой же чёрный лес, застывший от мороза, и тяжёлое, ледяное небо...
   Я попытался узнать о судьбе этой картины. Пока удалось выяснить, что в 90-х годах XIX столетия эту картину у художника для своей галереи купил П.Н.Третьяков. Там она и находилась в отделе живописи XVIII в. - первой половины XIX в. (инв. N 991) до середины июля 1937 года. 15 июля 1937 года по акту N 0210 вместе ещё с девятью картинами других русских художников была выдана в полпредство СССР в Вену. С этого момента о картине нет никаких сведений. В настоящее время картина значится в Сводном каталоге культурных ценностей Российской Федерации похищенных и утраченных в период второй мировой войны, наряду ещё с 1148908 бывшими единицами хранения советских 160 музеев и 4000 библиотек.
   У родителей хорошая копия (одна из копий), написанная маслом (именно написанная, а не напечатанная, как это сейчас мастерски делается). Не обошлось, что не удивительно, без грубых подделок (то без собак, то без мрачного неба, а то и вообще изображён солнечный, морозный денёк!). Но родительская картина, как я смог понять, достаточно высокой точности (я не эксперт, но сравнивая с репродукциями оригинала и подделками, могу так говорить). На родительской картине в правом нижнем углу есть оригинальная подпись художника "Н.Дубовской 91", имеющая большое сходство с авторскими подписями на других его картинах. Поиски достоверной информации о судьбе картины необходимо продолжать. Должны быть какие-то следы.
   Как я выяснил, свою частную коллекцию полотен художник в полном составе подарил городу детства Новочеркасску незадолго до начала первой мировой войны. Даря свою коллекцию картин (а это 5-я часть от всего количества картин, созданных художником), Николай Никанорович поставил условие, чтобы полотна размещались в специально построенном здании. Но три войны, две революции и разруха - помешали этому, тем более Николай Дубовской был не в почёте у советских властей, что способствовало его практически полному забвению в советское время. Да и в настоящее время, как я понял, никто его не знает и не интересуется его творчеством. К примеру, обойдя все крупные книготорговые сети Санкт-Петербурга, и исследовав их электронные базы, я не нашёл ни одной книги о жизни и творчестве Николая Никаноровича, ни одного альбома репродукций его картин! Даже в сводных альбомах репродукций картин русских пейзажистов Дубовской не везде. В библиотеках культурной столицы есть только энциклопедические сухие заметки о нём. А ведь современники называли Николая Дубовского Третьим пейзажистом России, ставя его после И.И.Шишкина и В.Д.Полёнова. С 1889 года он член правления, а с 1898 года идейный руководитель Товарищества передвижных художественных выставок - "передвижников".
   Но вернёмся к бесценному дару художника родному городу. Его частная коллекция, насчитывающая более восьмидесяти полотен, как следует из литературных источников, до сих пор хранится в подвалах музея Донского казачества в Новочеркасске. И не известно, когда смогут, наконец, увидеть люди самую значительную коллекцию картин Н.Н.Дубовского.
   Н.Н.Дубовской сознательно писал только пейзажи, считая, что пейзаж способен не меньше чем другие жанры воздействовать на умы и души людей, учить и воспитывать их, волновать и радовать солнечным светом, красками и пространством жизни. Именно, как утверждают специалисты, огромное пространство, свет и много воздуха - вот отличительные особенности картин Дубовского. Грубо говоря, в них много и неба, и земли - далей во все стороны света - пространства и воздуха. Как я смог понять, художник не акцентировал своё внимание на локальном месте, к примеру, реки, леса или другого природного объекта, пусть характерном, ярком, интересном. Для него интересным было всё в совокупности, в пространстве, помещаемом в границах полотна.
   Самая известная его картина "Притихло" (1890). Она принесла подлинное признание художнику. Характерно в этой картине то, что художник впервые показал не саму грозу, кульминацию стихии, а предчувствие её, кратковременное напряжённое затишье перед бурей. Этой картиной художник ввёл новый мотив - "тишина перед грозой", как говорил сам художник, когда "...человек чувствует своё ничтожество при приближении стихии...", а, по мнению И.И.Левитана, это "самая стихия".
   Художником написано 400 картин, и более 1000 этюдов. Об его любви к рисованию свидетельствует тот факт, что однажды художник так увлёкся написанием этюда с натуры, что опоздал на своё собственное венчание и явился в церковь тогда, когда его уже практически перестали ждать!
   Картины Дубовского находятся в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, музеях Калуги, Костромы, Ставрополя, Томска, Нижнего Тагила, Омска, Хабаровска, Ашхабада и Новочеркасска.
   Лично мне нравятся многие его картины, приведу некоторые из них. К примеру, картина "Лесная река" очень напоминает родную природу Южного Урала: сочный тёплый лес с цветущей поляной, извилистая река, а за ней пушистый лесной ковёр, плавно уходящий ввысь, - это горы, что напоминает до боли знакомые места моего беззаботного детства, когда я на летних каникулах отдыхал в деревне у бабушки. В картине "На Волге" великая русская река красива нежной гладью, покоем и величественностью, она необъятна, как море. Быть может, это лучшая картина художника. В картине "Радуга" рыбак, позабыв о своём самом главном деле, заворожён неземной красотой этого природного явления, показанного во всём своём величии. Картина "Сумерки" снова напоминает бабушкину деревню, где часто можно было увидеть подобную картину, когда хозяйка гонит поздним вечером домой "подзагулявшую" корову!
   От его летних пейзажей веет покоем, хочется, глядя на них, чтобы в жизни больше было лета и красоты, начинаешь понимать, что мы не ценим в должной мере красоту родной природы, которая находится ни на берегах Нила или Мёртвого моря, ни на модных заморских курортах, а рядом с нами, за городом, в соседней деревне, куда можно добраться, к примеру, на обыкновенной электричке! Я считаю, что стыдно должно быть тому гражданину, который не знает природы своей страны, особенно такой прекрасной и разнообразной, как в России. Поэтому, пока живой и есть силы надо стремиться познать природу прежде всего своей страны, а только потом уж зарубежья.
   Известными картинами художника также являются: "Перед грозой", "После дождя", "Зима", "Ранняя весна", "Утро в горах", "Водопад Иматра", "Ураган в степи", "Родина" (многие художники пытались написать обобщённый образ родины, но у Дубовского, по всеобщему признанию его коллег, это получилось лучше всех).
  

Санкт-Петербург, 02.04.2011

 Ваша оценка:
Связаться с программистом сайта.

Новые книги авторов СИ, вышедшие из печати:
О.Болдырева "Крадуш. Чужие души" М.Николаев "Вторжение на Землю"

Как попасть в этoт список
Сайт - "Художники" .. || .. Доска об'явлений "Книги"